Trascendiendo los límites del arte: el LCI reúne a 30 artistas en una exposición Intermedia en Ciutat Vella
Heterotomías. Una experiencia intermedia, inédita y colectiva, por la igualdad y la creación crítica como ejes centrales.
El Laboratorio de Creaciones Intermedia (LCI) presenta una exposición que reúne más de 40 obras artísticas en la Sala de Exposiciones Ciutat Vella.
Durante diez días se podrá visitar una exposición que reúne obra representativa de los artistas Alfredo Llorens, Elena Mir, David Aliaga, María Zárraga, Álvaro Terrones, Mau Monleón, Mijo Miquel, Elías Pérez, Miguel Ángel Escoín, Stefano Scarani, Martina Botella, Miguel Molina, Guillermo Ros, Lola Carbonell Payá, Alfredo Guillamón, NEA, Malén Iturri, Mar Juan Tortosa, Teresa García-del Blanco, Joaquín Ortega, Daniel Tomás Marquina, Susana & Leo, Silvia Ariño, Dolores García, Salek Salec, Noah Safía Taib Abdala, Ana Cruz Ruiz, María José Serrano, José Juan Martínez Ballester y Josep Sanmartín.
El LCI inició su andadura en el año 2000 y se caracteriza por sus propuestas de arte sonoro, performance, escenografía, escultura, fotografía, videoarte y textil, siempre con una mirada transdisciplinar que trata de superar los límites culturales. De ahí el título de la exposición, Heterotomías Intermedia. A partir del concepto de heterotopía acuñado por Foucault, se propone una exposición donde lo múltiple no se ordena ni se domestica, sino que se expone en su pluralidad. Así, se adopta el sufijo -tomía para enfatizar la fractura diferencial que define a cada obra, reconociéndolas como entidades autónomas y distintas entre sí dentro del conjunto de la exhibición.
Cada obra revela su potencia propia y, al mismo tiempo, contribuye a la construcción de un espacio intermedio, permeable y en constante transformación, donde se abordan cuestiones como el feminismo, el auge de los autoritarismos, la paridad institucional en el arte, los refugiados saharauis, la pobreza y otros temas que preocupan a sus investigadores.
Esta exposición, que se inaugura el 14 de mayo y se clausura el 23 del mismo mes, exhibe obra inédita que podrá verse en la Sala de Exposiciones de la Junta Municipal de Ciutat Vella, en la calle del Micalet 1, Valencia.
La presentación de la exposición se realizará el 14 de mayo a las 20:00 h y contará con música en vivo, vino de honor, happening y performances.
La exposición comisariada por José Juan Martínez Ballester y Josep Sanmartín, reúne un conjunto de obras que, desde distintos lenguajes —vídeo, instalación, escultura, fotografía, performance, objeto y prácticas interactivas—, abordan cuestiones vinculadas al cuerpo, la memoria, el trabajo, la violencia, el deseo, la transformación material y la experiencia perceptiva. El recorrido se construye a partir de piezas muy diversas, pero unidas por una voluntad común: activar la relación entre obra, espacio y espectador desde registros que van de lo íntimo a lo político, de lo ritual a lo tecnológico y de lo material a lo simbólico.
En la inauguración se contará con música acústica de Nehir Akansu (voz y viola), Aleksandra Bester (violín), Juanjo Pérez (voz y guitarra acústica), un happening de Griselda Gruni, dos performances de Malén Iturri y Mau Monleón. Esta última servirá como eje central de una campaña en redes sociales que comenzará el lunes 18 de mayo, Día Internacional de los Museos. La acción, denominada #MeManifiesto —2026, Acción Colectiva Laboratorio de Creaciones Intermedia. Propuesta de la Colectiva Portal de Igualdad—, que fue concebida originalmente por la asociación Colectiva Portal de Igualdad —presidida por la artista—, y se ha convertido en un símbolo de activismo artístico que exige el cumplimiento de la Ley de Igualdad en el sistema del arte (firmar manifiesto).
A continuación, Malén Iturri presentará leuda —2026 un experimento performativo—, un intento de las formas por recoger aquello que existe a pesar suyo. La pieza propone un mover-sonar en ciclos de decadencia, atendiendo a la materia mientras se pregunta sobre sí misma: un cuerpo que no espera nada que no esté aconteciendo. La obra sitúa la degradación como un proceso activo, donde la pérdida de una forma conduce siempre a la aparición de otra cosa.
Se concluirá las performances con una performace de Gridelda Gruno —2026, Merienda sigilosa VIII: Ritual de quietud, azúcar y olvido—, un happening. instalación objetual para la activación participativa.
Stefano Scarani presenta Ombre (sombras) —2026, instalación interactiva compuesta por vídeo, sonido, pantalla/ordenador y sensor webcam—. La obra parte de una reflexión sobre el acontecer erótico como una de las máximas intensidades de la vida, en diálogo con Las lágrimas de Eros de Georges Bataille. Según la ficha, grafitos rupestres en movimiento encarnan pulsiones primordiales vinculadas a la pasión, el poder, la posesión, el amor y el enfrentamiento a la muerte. Las imágenes, iluminadas como por un fuego ancestral, toman forma según las acciones del público y devuelven una memoria latente bajo los disfraces morales adquiridos a lo largo de la evolución social.
En Mercat lliure, Daniel Tomás Marquina —2026, audiovisual— desarrolla un vídeo experimental referido a las políticas neoliberales ligadas al capitalismo, la economía global de libre comercio, la desregulación, la privatización de lo público y la reducción del gasto social. La obra incorpora también referencias al control como garantía de funcionamiento del sistema y a ciertos reclamos de emancipación ciudadana producidos en València. El mercado, la bolsa, la oferta y la demanda aparecen vinculados a la sobreexplotación de un planeta finito que continúa latiendo mientras sigue vivo.
Griselda Gruni presenta Ejercicios de suspensión —2026, vídeo, 05:45 min—, un vídeo-ensayo que explora la relación entre ciertos juegos infantiles y prácticas de magia entendidas como tecnologías del cuerpo orientadas a alterar la percepción. La propuesta establece una analogía entre dinámicas de juego basadas en la repetición, la regla o la inmovilidad, y ejercicios de control mental vinculados al cuerpo como herramienta para acceder a estados de conciencia no ordinarios. La obra incorpora además la idea de una tarta-egregoriana como acto festivo que acompaña la proyección y funciona como dispositivo simbólico de suspensión del tiempo.
En Aliento 4, Elías Pérez —2025, impresión digital— plantea el retrato desde una resistencia a la implementación tecnológica generalizada y a la máxima de la productividad. La pieza reivindica la importancia del tiempo mediante un proceso ralentizado que combina modelado físico, fotografía e impresión digital. Primero se modela un rostro en Monster Clay a escala reducida; después se realiza una sesión fotográfica y finalmente se selecciona una imagen cuyo formato expositivo será la impresión. La obra une procesos clásicos, nuevos materiales, experiencia háptica y potencia indicial de la fotografía.
En Go East (maqueta), José Juan —2026, técnica mixta, recortable de cartulina impresa— presenta una obra que establece una lectura crítica entre distintas formas históricas de expansionismo, colonialismo y construcción propagandística del territorio. La pieza parte de la iconografía del western y de los juguetes bélicos —el fuerte de frontera, los soldados, la bandera y la maqueta militar— para relacionar la conquista del Oeste norteamericano con el conflicto palestino-israelí, sustituyendo los elementos estadounidenses por símbolos y figuras vinculadas al ejército israelí. Sobre una fotografía aérea de un territorio palestino devastado, concebida como un paisaje desértico o solar, el fuerte se convierte en una imagen de frontera, ocupación y violencia legitimada por relatos heroicos. En su interior, la presencia de mortajas palestinas introduce una dimensión profundamente crítica y dolorosa, señalando cómo las imágenes, los objetos lúdicos y la cultura visual pueden participar en la naturalización de la guerra, la propaganda y las políticas de dominación.
En Geometric #12 y Geometric #16, Elena Mir —2013, papercut enmarcado— construye el espacio desde la profundidad mediante un proceso capa a capa que funciona como un palimpsesto visual. Cada estrato del papel registra un movimiento mínimo, fijando en su interior todos los instantes del proceso. El papel deja de ser un soporte para convertirse en materia escultórica, donde el tiempo queda contenido y visible.
En Subida del Monte Carmelo, Silvia Ariño —2022, vídeo MP4 con sonido, 4:50 min— parte de una referencia a Wittgenstein y a la tradición mística de San Juan de la Cruz para abordar el trabajo, la renuncia y la disciplina como componentes de cualquier tentativa de superación. La acción reflexiona sobre las dificultades de ser a la vez el problema y la solución, formuladas mediante la tensión entre “querer poder” y “poder poder”. La ficha introduce también una dimensión de humor y placer en el propio sufrimiento del pensamiento y la realización de vídeos.
En Globalización y violencia contra las mujeres. Victoria Sendón de León. Lectura en 2010. Serie #Lectures y La escultura en el campo expandido. Rosalind E. Krauss. Lectura en 2006. Serie #Lectures, Mau Monleón Pradas —obras interactivas en work in progress 2024-2026, collage, técnica mixta y electrografía, 40 × 50 cm— convierte el texto leído, subrayado y anotado en materia artística, memoria docente y testimonio autobiográfico. La primera obra rescata la lectura de Victoria Sendón de León que, en 2010, fue germen de la Plataforma ACVG Arte Contra Violencia de Género, articulando conocimiento, activismo feminista y denuncia social. La segunda recupera la relación intelectual de la artista con Rosalind E. Krauss y con la escultura en el campo expandido, vinculando su labor docente con su investigación sobre los límites entre escultura, fotografía y otros lenguajes contemporáneos. En ambas piezas, las fotocopias intervenidas funcionan como palimpsestos donde lectura, enseñanza, genealogía femenina y práctica artística se entrelazan.
En Nacer, Teresa García-del Blanco —2025, cerámica y tejido— trabaja una línea de investigación vinculada a la maternidad, la unión de materiales y la creación de nuevos lenguajes a partir de su mezcla. La obra entiende el nacimiento no solo como parto, sino también como transformación. Nacer es el inicio de algo que sale, brota y crece, mutando hasta convertirse en otra cosa independiente de aquello de lo que emerge.
En Entre la niebla, Josep Sanmartín —2025, impresión en blanco y negro sobre papel de arroz, acuarelas chinas, estampación con tintas tradicionales, sello tallado a mano, caligrafía china y enmarcado tradicional en seda— presenta una obra creada durante una residencia artística en China, en NY20+, tras obtener el premio especial en Arte Laguna de 2024. La pieza combina fotografía, técnicas tradicionales chinas y una sensibilidad visual contemporánea, tomando como motivo una vista del Templo Jinci en Chengdu, donde las torres de la ciudad se desdibujan entre la niebla. La obra retrata el auge de la cultura china, capaz de conservar sus tradiciones al tiempo que avanza con decisión hacia un presente globalizado difuso e incierto.
Miguel Ángel Escoín participa con Máquina de triturar fascistas —2026, instalación con objeto resignificado y gráfica sobre papel—. La propuesta se compone de una fotografía de gran formato, una peana con fotocopias y una destructora de documentos de oficina resignificada. Según la ficha, la obra formula una crítica política en torno a la tragedia palestina en Gaza y convierte al espectador en participante mediante la acción de triturar imágenes impresas.
María José Serrano presenta R23_18,19,20 —2023, trabajo con patrones de diseño textil—. La obra habla del proceso de desarraigo y adaptación a un nuevo entorno en los movimientos migratorios. A partir de tres colores fijos y un diseño textil, la pieza plantea una búsqueda pictórica sobre la posibilidad de obtener diferentes resultados cambiando el orden de un mismo contenido.
Álvaro Terrones presenta Sudario de los Cárpatos —2026, performance con Adidas Agravic Terrex TT y cartografías pintadas—, tercera acción de una serie poética de lo abyecto atravesada por referentes de la literatura de ciencia ficción y terror: Frankenstein o el moderno Prometeo, El hombre invisible y El sudario de los Cárpatos. La acción parte del castillo de Vlad Drácula, en Rumanía, y recorre 50 km en una ruta circular por Transilvania, activando el tejido como soporte y registro de la materia abyecta.
NEA presenta Cuerpos que tiemblan —2026, instalación site-specific—. Esta es una obra realizada con mantas térmicas de emergencia y cinta adhesiva de doble cara sobre las ventanas del patio interior de la Sala de Exposiciones de la Junta Municipal de Ciutat Vella, que construye una escalera de 18 metros de longitud y 50 cm de anchura, convirtiéndose en una pieza que activa el patio como un espacio de tránsito, suspensión y vértigo. La instalación propone una escalera frágil que desciende desde la ventana de la tercera planta hacia el vacío, convirtiendo un material asociado al rescate, la migración y la precariedad en un dispositivo poético y político. Movida por el viento y la luz, la estructura aparece suspendida entre la huida y la esperanza, entre la promesa de salvación y la inestabilidad de los cuerpos que tiemblan. Icono de ascenso y posibilidad, la escalera se revela vulnerable, vibrante y casi corporal: una superficie arrugada y atravesada por el tiempo que, al curvarse sobre sí misma en el interior de la tercera planta, traza un recorrido entre el refugio y la caída, entre la posibilidad del infinito y el retorno a la nada.
Guillermo Ros participa con Los heraldos —2019, mármol de Calatorao—, una escultura que plantea una relación entre la piedra funeraria y la vida que emerge de ella. La lápida tallada deja de ser únicamente un símbolo de muerte para convertirse en una superficie activa: de su oscuridad nacen insectos y criaturas blindadas que parecen custodiar, devorar o transformar aquello que yace bajo la tumba. La piedra se presenta como un cuerpo sellado, pero también como un lugar de aparición, donde lo enterrado vuelve al mundo convertido en presencia, coraza y amenaza.
En Estovalles desfent-se, Lola Carbonell —2026, instalación de manteles con soporte metálico sobre pared—, parte de la tela masera, un tejido de algodón empleado en la elaboración de la masa. La obra plantea la historia de unas viejas estovalles que, con el paso del tiempo, se han ido deshaciendo por el uso. Las telas aparecen como cuerpos trabajados y cansados, mientras los hilos que caen recuerdan masas que han subido demasiado, han sido olvidadas o se han desbordado. La pieza se centra en la relación entre un cuerpo que trabaja y las herramientas que utiliza, atendiendo al desgaste compartido entre ambas partes.
Joaquín Ortega presenta 6 años para brisa de un día —2026, madera recolectada y ventilador—, una construcción realizada con madera encontrada y un ventilador doméstico. La pieza se sitúa entre lo soporífero y lo idílico, partiendo de una obsesión por el ornamento vegetal de plástico y por ciertas estéticas del bienestar. La obra alude a las plantas de plástico, a los ambientes climatizados de forma precaria y a los espacios de venta que expulsan confort térmico hacia la calle como reclamo, en un planeta sometido a cambios extremos.
Aristóteles hoy, de Mijo Miquel —2026, fotografía a pared, formato A2—, presenta una imagen tomada en la ciudad de Atenas, donde un indigente dormita bajo un dispositivo escenográfico perfecto en cuyo lateral aparece el nombre de Aristóteles. La fotografía ofrece una representación literal del lugar que ocupa hoy día el pensamiento, cobijado bajo una falsa protección plástica, dispuesto en una silla de ordenador arrumbada y, a pesar de ello, habitando un espacio central en las ruinas de una civilización que termina. No obstante, incluso en ese momento crítico, sigue teniendo la potencia de crear su lugar en el mundo y elegir su propio nombre: entronado y bajo palio, tanto en la calle como en la Academia.
En Travessant el dol, Mar Juan Tortosa —2026, díptico compuesto por una blusa blanca adherida a la pared y una fotografía intervenida con texto y el patrón de la blusa— aborda la memoria del franquismo y la represión a partir de la historia familiar de Felicidad Ferrero Sanjuan. Tras el fusilamiento de su marido y de su hermano el 15 de mayo de 1939, cuyos cuerpos siguen desaparecidos, Felicidad nunca volvió a quitarse el luto. La obra parte de una fotografía en la que viste una blusa de semiluto, reinterpretada ahora en blanco con las medidas de su bisnieta, como una prenda cargada de memoria, duelo heredado y esperanza de reparación.
Con Superhéroe anónimo (Copia de la copia de la copia de la copia), Susana & Leo —1996-2026, impresión fotográfica enmarcada, 50 × 70 cm— presentan una pieza construida a partir de las distorsiones acumuladas por una cadena de copias, reproducciones y pérdidas materiales. La imagen procede de una cerámica desaparecida, fotografiada en analógico, escaneada, modificada digitalmente, impresa, enmarcada, decolorada por el sol durante décadas y finalmente fotografiada e impresa de nuevo para esta exposición. A través de este recorrido, la obra reflexiona sobre la obsolescencia de los soportes, la fragilidad de la memoria visual y la condición única que puede adquirir una imagen reproducida una y otra vez hasta convertirse en otra cosa: una supervivencia afectiva de “La Cosa”, su propia cosa, todavía respirando.
Martina Botella con Suck it (Xupamela), Touristification (I), Touristification (II) y Aftersun —2026, ensamblajes realizados con materiales urbanos, mobiliario, azulejos valencianos y materiales contructivos; con dimensiones variables entre 30 × 30 × 8 cm y 200 × 20 × 20 cm— trabaja con objetos viejos, desplazados o cotidianos para articular una crítica social atravesada por el humor feminista y cierto descaro. Las piezas reivindican la resistencia de aquello que queda en el margen, lo desclasado, inservible o invisible, desde una idea de “obsolescencia desprogramada”, al tiempo que abordan distintas formas de irrupción del turismo en la escena local: el turismo de borrachera insaciable, el turismo de playa pachanguero y obsceno, y el turismo de chancleta. A través de estos ensamblajes, la artista señala sus efectos en los procesos de gentrificación, especulación inmobiliaria y degradación del contexto urbano.
En Tiempos de grandes hombres I, Alfredo Llorens —2025, latón a la cera perdida y madera— plantea una revisión crítica de la relación entre poder y ridículo a través de una propuesta de carácter icónico, objetual y comunicativo. La obra parte de una lectura irónica de la historia humana como escenario dominado por “grandes hombres”: figuras maduras que disponen de las vidas, mueven los mapas y administran el sufrimiento. Desde esta perspectiva, la pieza se inscribe en una línea de trabajo ya consolidada en la trayectoria del autor, orientada a desmontar los gestos, símbolos y poses de autoridad mediante una mirada incisiva y cargada de humor crítico.
Con ¿NO?, Miguel Molina Alarcón —2007, serigrafía— propone una obra formulada como un “test de Snellen para la agudeza visual de tu polarización”. La pieza utiliza la referencia a una herramienta de medición óptica para desplazar la pregunta hacia el modo en que se mira, se interpreta y se toma posición.
También se podrán ver las siguientes obras y artistas:
